La Buena Vida Trailer Oficial

Martes 16 de diciembre
19.30 hrs.
Centro Cultural Humanista
Barrio Yungay
Maipú 351
Entrada Libre

Martes 16 de diciembre: LA BUENA VIDA

LA BUENA VIDA

Chile, 2008

Dirección: Andrés Wood

Producción: Andrés Wood, Mamoun Hassan, Gerardo Herrero, Diego Dubcovsky

Guión: Mamoun Hassan y Andrés Wood, sobre la idea y guión original de Rodrigo Bazaes

Fotografía: Miguel Joan Littin

Montaje: Andrea Chignoli

Música: José Miguel Miranda y José Miguel Tobar

Elenco: Roberto Farías, Aline Kuppenheim, Eduardo Paxeco, Bélgica Castro, AlfredoCastro, Manuela Martelli, Manuela Oyarzún, Paula Sotelo.

108 minutos.

“La buena vida” es la quinta película de Andrés Wood. Tras el hit masivo que significó “Machuca”, su retorno minimiza el motivo de lo épico y se centra en la historia transitoria de algunos personajes santiaguinos: una madre que se entera que su hija adolescente está embarazada, un clarinetista de alta formación que no consigue el trabajo de alta alcurnia que quería y que termina integrándose a una banda de Carabineros, un peluquero cuarentón que pide un crédito de consumo para poder comprarse un auto y que debe lidiar con su madre, con la que todavía comparte su casa, y una vagabunda que hace lo que puede para poder alimentar a su bebé. La cinta lleva las vidas de estos personajes por separado, y licencias de guión mediante, se permite a sí misma forzar coincidencias de espacios y cruces en las calles de la ciudad.

El relato pasa por estas líneas dramáticas como una visita, recoge algunos momentos en la vida de estos personajes dejándolos igual de despojados y perdidos que un inicio. Sin mayores resoluciones, “La buena vida” no se hace cargo de las motivaciones de cada uno de sus protagonistas. Simplemente, los acompaña. Se deja caer con levedad en algunas de sus acciones, que nos hablan de la hostilidad de Santiago, de la diferencia entre la realización individual y las expectativas que se tienen de ésta.

Trailer Nueve Vidas

Martes 2 de diciembre
19.30 hrs.
Centro Cultural Humanista
Barrio Yungay
Maipú 351
Entrada Libre

Te doy mis ojos - Tráiler

Martes 25 de noviembre (Día Internacional de la No Violencia contra las Mujeres)
Centro Cultural Humanista
Barrio Yungay
Maipu 351
19.30 hrs.
Entrada libre

Martes 25 de noviembre (Día Internacional de la No Violencia contra las Mujeres): TE DOY MIS OJOS

Dirección: Icíar Bollaín.

País: España.

Año: 2003.

Duración: 106 min.

Interpretación: Laia Marull (Pilar), Luis Tosar (Antonio), Candela Peña (Ana), Rosa María Sardà (Aurora), Kity Manver (Rosa), Sergi Calleja (Terapeuta), Dave Mooney (John), Nicolás Fernández Luna (Juan), Elisabet Gelabert (Lola), Chus Gutiérrez (Raquel), Elena Irureta (Carmen).

Guión: Icíar Bollaín y Alicia Luna.

Producción ejecutiva: Santiago García de Leániz.

Música: Alberto Iglesias.

Fotografía: Carles Gusi.

Montaje: Ángel Hernández Zoido.

Dirección artística: Víctor Molero.

Vestuario: Estíbaliz Markiegi.

Film ganador de siete Premios Goya, galardón de la Academia de Cine española.

SINOPSIS

Una noche de invierno, una mujer, Pilar (Laia Marull), sale huyendo de su casa. Lleva consigo apenas cuatro cosas y a su hijo, Juan (Nicolás Fernández Luna). Antonio (Luis Tosar) no tarda en ir a buscarla. Pilar es su sol, dice, y además, “le ha dado sus ojos”... A lo largo de la película, los personajes irán reescribiendo ese libro de familia en el que está escrito quién es quién y qué se espera que haga pero en el que todos los conceptos están equivocados y donde dice hogar se lee infierno, donde dice amor hay dolor y quien promete protección produce terror.

En ocasiones hay películas cuyo valor objetivo va mucho más allá de la brillantez de su puesta en escena o de un envoltorio formal más o menos cuidado y reside en la importancia de la temática que trata o en la valentía de atreverse a mirar desde ángulos insospechados las muchas miserias que se esconden en nuestra vida cotidiana. En el cine español tenemos unos cuantos ejemplos recientes ("Solas" de Benito Zambrano o "Los Lunes" al Sol de Fernando León de Aranoa) de películas que extraen de la realidad del día a día y de la atención al pequeño detalle una actitud vital y un fuerte compromiso moral que no aboga tanto por los grandes e inalcanzables ideales como por poner la cámara bien asentada en la tierra y, con humildad, retratar certeramente la dificultad del vivir diario.

"Te Doy mis Ojos" se sitúa desde un primer momento en el punto de más difícil equilibrio y es muy de agradecer la seriedad y la absoluta falta de maniqueísmo con la que Icíar y su co-guionista Alicia Luna afrontan la historia que tienen entre manos, pues ahí es nada obligar al espectador a que huya de la salida tan inevitablemente fácil que supone en estos casos solidari-zarse plenamente con la víctima y olvidarse de cualquier otra consideración, que al fin y al cabo es lo que usted, yo o cualquiera haría en una situación que ni podemos ni queremos comprender. Bollaín nos obliga con su película a hacer un mayor esfuerzo intelectual, a pensar, a entender no sólo las razones por las que una mujer es capaz de atravesar todo un infierno con la esperanza de volver a ver en el marido que ahora la maltrata al hombre de quien se enamoró y al que aún ama, sino también todo aquello que provoca en un hombre enamorado de su pareja esa injustificable agresión.

Sweeney Todd (trailer)

Martes 18 de noviembre
Centro Cultural Humanista
Barrio Yungay
Maipú 351
Entrada libre

Martes 18 de noviembre: SWEENEY TODD

Tiempo de Vivir

Martes 11 de noviembre
19.30 hrs.
Centro Cultural Humanista
Barrio Yungay
Maipú 351
Entrada libre

Cine Yungay

Video acerca de nuestra actividad de cine hecho por Víctor Barra

Reconstruction -Reconstrucción de un amor- trailer

Martes 21 de octubre
Centro Cultural Humanista
Barrio Yungay
Maípú 351
19.30 hrs.
ENTRADA LIBRE

Martes 21 de octubre: RECONSTRUCCION

RECONSTRUCCION

Dirección: Christoffer Boe.

País: Dinamarca.Año: 2003.

Duración: 91 min.

Interpretación: Nikolaj Lie Kaas (Alex), Maria Bonnevie (Simone/Aimee), Krister Henriksson (August Holm), Nicolas Bro (Leo), Ida Dwinger (Mónica), Helle Fagralid (Nan), Isabella Miehe-Renard (Periodista), Malene Schwartz (Fru Banum), Peter Steen (Mel David).

Guión: Christoffer Boe y Mogens Rukov.

Producción: Tine Grew Pfeiffer.

Música: Thomas Knak.

Fotografía: Manuel Alberto Claro.

Montaje: Peter Brandt y Mikkel E.G. Nielsen.

Diseño de producción: Martin de Thurah.

Vestuario: Gabi Humnicki.

CRITICA:

Hay un nuevo director, llamado Christoffer Boe, al que a partir de ahora habrá que seguir la pista. En su película “Reconstruction” hay ecos de genialidad, de entusiasmo, de gran lirismo. Oímos voces de Frank Capra en su tono fabulador, de Julio Medem en su desesperado romanticismo, de David Lynch en su capacidad de hacer palpable lo onírico, de Spike Jonze en su capacidad de sorpresa o incluso de Lars Von Trier en su capacidad de pasar del dolor sentido al dolor físico. Y sin embargo, Boe, bebiendo de tantas y tan ilustres fuentes, se revela único, genuino en su creación y hace del título de su película, la clave para entender el ensamblaje que le permite transmitir a la perfección ese concepto de magia fílmica con una personalidad que se desmarca de toda influencia.
“Es una película, es una reconstrucción, pero aún así, duele”. Esta frase recitada en off al inicio y al final de la cinta redondea, sintetiza los grandes méritos de esta creación fílmica, destapa y reserva el frasco de las esencias que nos embriagará durante hora y media. Y es que Boe explora en las posibilidades del Séptimo Arte, en su lenguaje y en sus licencias para acercarnos, precisamente, hasta el límite del contacto físico con su historia. Con su ínfima calidad de imagen, con su saturado colorido, crea una sobrecogedora atmósfera en la que, sin mostrarnos ninguna destacable innovación, deslumbra con su capacidad de desnudar los sentimientos, de mostrar su irracionalidad, y devuelve a frases tan escuchadas como un “te quiero” un extraño poder de penetración en la sensibilidad del espectador. Porque su retrato ultraterreno del amor arranca desde la incomprensión, desde el delirio, pero va conformándose, con detalles que todos reconocemos en nuestros adentros, como un sólido entramado de significados y metáforas que envuelve y transporta a un mundo de casualidades eternas, de sentimientos atemporales y de sueños compartidos.
“Reconstruction” nos habla de segundas y terceras oportunidades, pero siempre denostadas por el mismo error, por la misma torpeza humana. De pasiones encontradas, de identidades intercambiadas, pero todas al servicio de un destino, para nuestra tranquilidad o nuestro desasosiego. Porque la estructura narrativa de la película es tan redonda que tiene lecturas en varias direcciones, desde el optimismo al derrumbamiento emocional, y encuentra en esa mezcla paradójica su capacidad de fascinación. En la perfección abrumadora del rostro de Maria Bonnevie en contraste con los rasgos primitivos de Nikolaj Lie Kaas, surge el contraste entre la belleza de la vida, la fortuna o la condena, la esclavitud a la providencia. Sus interpretaciones se nutren de esa naturalidad pasmosa del Dogma del que provienen y perfilan un conjunto que prescinde casi por completo de llevar un ritmo convencional. Así, permite a su director, casi siempre con acierto, detener a su antojo la cinta a favor de la intensidad de las situaciones, de ese apartado inmóvil reservado para la idealización y el estado puro del sentimiento romántico. Y en ese toque magistral de despojar de identidad a su protagonista matiza la plasmación universal de la fantasía y la ensoñación en contacto directo con la realidad material.

DEL BLOG de Tito Manfred

RECONSTRUCCIÓN DE UN AMOR
El narrador omnisciente me lo advirtió al inicio, demonios, me dijo que aunque se trate de una película, de una reconstrucción, de una arbitraria interpretación, de un artificio, en fin, de una ficticia ficción ficcionada por quién sabe quién, aun así duele. Como he terminado por no temerle al dolor, como es ese mismo dolor la bendita prueba de que no estoy soñando, no vacilé en ver la película con la firme expectativa de que me doliera hasta el interior interno de los huesos óseos. Pero nadie me avisó de que, además de dolerme, Reconstrucción de un Amor me enfermaría gravemente.Metaclínicamente hablando, la enfermedad, conocida por el nombre de "inflamación morbosa del deseo amatorio ideal" (no contemplada aún en el plan AUGE), consiste en un desgarramiento del corazón metafórico, desgarramiento originado por la severa angustia que provoca en el espectador romántico-melancólico el deseo –la mayoría de las veces– yermo de amar y ser amado con violencia y sin premeditación (¿quién habrá sido el idiota que inventó aquello de que el amor es un proceso? No, huevón, el amor es un accidente y los accidentes ocurren en un segundo). Los síntomas más recurrentes en quienes padecemos esta singular enfermedad, son: constantes cuadros de ansiedad y desasosiego, crueles despertares en medio de la noche mezquina, cruda desolación al descubrirse durmiendo en la más rotunda soledad, anemia literaria, enmudecimiento de la razón, extravío de la mirada, etcétera.De más está decir que lo más recomendable es que no vean Reconstrucción de un Amor (título original: Reconstruction), ya que corren el serio peligro de que se les inflame morbosamente el deseo amatorio ideal. Hecha ya la advertencia, no me hago responsable si algún audaz romántico-melancólico, haciendo caso omiso a mi recomendación, ve la película en cuestión, enfermándose de gravedad.Sé que pedirle a la gente más cerebral que tiene el mal gusto de leerme, que entienda mi afección, sería exigir demasiado a su sagrada racionalidad, por tanto no lo haré. Después de todo, las extravagancias (y enfermarse por un filme es una extravagancia) no fueron inventadas para ser comprendidas, sino sólo para ser divulgadas en la sección de "noticias curiosas" de los periódicos. Así y todo, se me antoja que la idea de dejarlo todo por una perfecta desconocida a la que amas con desespero, y frases imperecederas dichas en la cama, tales como: "porque tú eres mi sueño y yo soy el tuyo", pueden enfermar a cualquiera, no sólo a románticos terminales como yo.
"No me hables de reconstruir, que yo sólo quiero construir".
Tito Manfred.

TRAILER "LA MEJOR JUVENTUD".

MARTES 7 DE OCTUBRE
CENTRO CULTURAL HUMANISTA
BARRIO YUNGAY
19.30 HRS.
ENTRADA LIBRE

Martes 7 de octubre: LA MEJOR JUVENTUD (Primera parte)

LA MEJOR JUVENTUD (Primera Parte)

Dirección: Marco Tullio Giordana.

País: Italia.

Año: 2003.

Duración: 120 min.

Género: Drama.

Interpretación: Luigi Lo Cascio (Nicola Carati), Alessio Boni (Matteo Carati), Adriana Asti (Adriana Carati), Sonia Bergamasco (Giulia Monfalco), Maya Sansa (Mirella), Andrea Tidona (Angelo Carati), Fabrizio Gifuni (Carlo Tommasi), Valentina Carnelutti (Francesca), Jasmine Trinca (Giorgia).Guión: Sandro Petraglia y Stefano Rulli.

Producción: Angelo Barbagallo.

Fotografía: Roberto Forza.

Montaje: Roberto Missiroli.

Diseño de producción: Franco Ceraolo.

Vestuario: Elisabetta Montaldo.

LA MEJOR JUVENTUD narra la historia de una familia italiana desde fines de los años 60 hasta la actualidad. La vida de dos hermanos, Nicola y Matteo , es el corazón de la historia. En el comienzo comparten los mismos sueños, esperanzas, libros y amigos. Pero conocer a Georgia, una chica con desórdenes mentales, será determinante en la vida de los muchachos. Nicola decide convertirse en psiquiatra, y Matteo abandona sus estudios.
Angelo es un amoroso padre y esposo. La familia experimenta su exuberancia con plácida tolerancia. Adriana, la madre, es una maestra moderna e irreprochable que ama a sus alumnos tanto como a sus hijos.
Luego está Giovanna, la hija mayor, que desde muy joven decide ser maestra y Francesca, es el último miembro de la familia. Ella se casa con Carlo (el mejor amigo de Nicola) quien tiene un importante puesto en el Banco de Italia por lo cual estará en la mira de los grupos terroristas durante los Años de Plomo (década de los '70 marcada por violentas protestas y actos terroristas). Otros personajes son Giulia, el gran amor de Nicola, su hija Sara; y Mirella quien aparecerá en distintos momentos y de diversas formas en las vidas de Nicola y Matteo.
A través de este pequeño grupo de personas LA MEJOR JUVENTUD trata los hechos y lugares más significativos de la historia italiana. Florencia durante "la gran inundación". Sicilia y su lucha contra la Mafia, los grandes partidos de fútbol de la selección italiana contra Corea y Alemania, las canciones que marcaron la época, Turín con sus trabajadores de "cuello azul", Milán en los '80, los movimientos juveniles, el terrorismo, la crisis de los 90 y los esfuerzos para reconstruir Italia como una Nación Moderna.
Nuestros personajes perseguirán sus pasiones con inconstancia. Se tropezarán con la historia, crecerán, se lastimarán, alimentarán nuevas ilusiones para volver a ponerse en riesgo. Tal como nos pasa a todos.

Entre Copas (Sideways) Trailer español

Martes 30 de septiembre
19.30 hrs.
Centro Cultural Humanista
Barrio Yungay
Entrada libre

Martes 30 de septiembre : Entre copas

Entre copas (Sideways)


Director: Alexander Payne
Actores: Paul Giamatti, Thomas Harden Church, Patrick Gallegher
Género: Comedia
Procedencia: EEUU
Duración: 130 min.

Ganadora de dos Globos de Oro y cinco postulaciones al Oscar 2004

La película contrapone dos personajes básicamente opuestos y deja que el simple intercambio de ideas, diálogos muy trabajados y situaciones surrealistas se sucedan de forma fluida en una comedia ciertamente agridulce, teñida de un desencantado humor entre irónico y directamente negro.


Entre Copas, título castellano para Sideways, algo así como Caminos Secundarios, lo que en este caso en particular cobra mucho más sentido, habla de forma aparentemente sencilla de un cúmulo de cosas que en realidad son bastante complejas. La película contrapone dos personajes básicamente opuestos y deja que el simple intercambio de ideas, diálogos muy trabajados y situaciones surrealistas se sucedan de forma fluida en una comedia ciertamente agridulce, teñida de un desencantado humor entre irónico y directamente negro.
Miles (Paul Giamatti) es un tipo complejo, pesimista, resignado, lúcido y un desastre con las mujeres. Y todavía no ha sido capaz de superar su fracaso matrimonial, hace ya dos años. Jack (Thomas Harden Church), por el contrario, es bastante más simple, optimista, aparentemente seguro de sí mismo y un seductor nato, que mide su éxito por la capacidad de conquista, aunque sea un mentiroso patológico y, en el fondo, otro fracasado.
Alexander Payne (el director de la cinta), construye un guión en el que se hace un preciso retrato emocional de esos dos hombres perdidos por las esquinas de la vida y víctimas de sus propias limitaciones, a los que trata con cierto cariño, pero de los que en ningún momento esconde sus múltiples defectos, defectos que se hacen patentes cuanto más tratan de profundizar en sus relaciones con Maya y Stephanie. Cuanta más conciencia toman de sí mismos Miles y Jack de su incapacidad para hacer frente a sus fantasmas o a sus responsabilidades con Maya y Stephanie, más notorios se hacen sus defectos en temas de seducción.
Entre Copas maneja un material fácilmente reconocible para todo aquel que tenga una cierta edad y haya vivido un poco. Payne recupera el encanto del cine hecho de una forma sencilla, que habla de cosas que no lo son en absoluto, y que además consigue en determinados momentos que la emoción se apodere del espectador, especialmente cuando Miles tiene que enfrentarse a sucesivos reveses o situaciones delicadas, como la hermosa secuencia en la que Maya le revela a Miles qué sentimiento le gusta del vino, o la forma en la que Miles observa la salida de la iglesia en silencio de su amigo Jack, reflexionando acerca de todo lo vivido en los últimos días para, finalmente, tomar una decisión que sabe a derrota definitiva.

TRAILER DE PADRE NUESTRO

Martes 9 de septiembre
19.30 hrs.
Centro Cultural Humanista
Barrio Yungay
ENTRADA LIBRE

Martes 9 de septiembre: PADRE NUESTRO

Padre nuestro

País: Chile

Año: 2006

Director: Rodrigo Sepulveda

Protagonistas: Luis Gnecco, Francisco Pérez Bannen, Amparo Noguera, Jaime Vadell, Cecilia Roth.

Fotografía: Esteban Courtalón

Música: Ángela Acuña

Padre nuestro, el último trabajo del director chileno Rodrigo Sepulveda, da una mirada a una familia de clase media, que se reúne ante la repentina enfermedad del padre.

Pedro (Luis Gnecco), Roberto (Francisco Pérez Bannen) y Meche (Amparo Noguera) parten apresuradamente desde Santiago hacia Valparaíso, al saber que su padre, Coco (Jaime Vadell) fue hospitalizado. En el camino van conversando sobre él, al mismo tiempo que aprovechan de rememorar antiguas anécdotas familiares. A poco andar nos damos cuenta de que la vida de los tres hermanos ha estado fuertemente marcada por la figura paterna, y en la conversación se empieza a vislumbrar el carácter de esta influencia. Junto a los tres hermanos va Maite (Cecilia Roth), la segunda señora de Pedro, quien es argentina y todavía no logra comprender la gran importancia que ha tenido Coco en la vida de sus hijos.

El inicio de Padre nuestro es un buen indicador del terreno hacia el cual se dirige el trabajo de Sebastián Alarcón. Lo central es mostrar cómo la figura paterna ha marcado la vida de sus tres hijos. A pesar de que los tres son adultos, no han logrado superar una serie de problemas que cargan producto de una vida familiar que parece haber dejado una huella profunda. No sólo los ha afectado el hecho de que el padre haya abandonado a la madre por una mujer más joven, sino que hay otras razones que paulatinamente se irán develando. Bajo la inicial preocupación que expresan todos, comienzan a emerger pequeños juicios con respecto al padre, que progresivamente irán subiendo de tono. A pesar de los problemas del pasado, los tres hijos quieren mucho a su padre. Por esto, la llegada al hospital de Valparaíso es un momento de gran tensión. Allí se enteran de que el prónostico vital no es bueno, por lo que intentan convencer a su madre para que venga a despedirse de Coco. En un momento de descuido, el enfermo decide escaparse del hospital, aprovechando la ayuda del menor de los tres hermanos.En medio de un extraño recorrido por un Valparaíso nocturno, nos damos cuenta de lo vividor y mujeriego que era el caballero. Una visita a un bar de un amigo y a una casa de prostitutas en la que era bastante conocido, nos dan una idea de algunas de las características de Coco.

En estas escenas Jaime Vadell hace gala de un gran histrionismo, que por momentos roza en la exageración, lo cual juega en contra del relato ya que le quita tensión.Uno de los principales problemas de la cinta está dado por el paseo de Coco, que queda un poco descontextualizado en relación con la primera parte de la cinta. El dramático tono del inicio se pierde en esta patética parranda, y sólo se recuperará en los momentos finales de la película, donde vuelve a emerger esa mirada cercana con que el director había logrado retratar de tan buena forma lo más propio de esta particular familia. Uno de los puntos más destacables de la cinta son las actuaciones de Amparo Noguera, Luis Gnecco y Francisco Pérez Bannen, ya que están muy por sobre el promedio de las producciones nacionales. Gnecco demuestra un dominio escénico notable y Noguera da cuenta de todo su profesionalismo, al construir un personaje complejo de manera bastante sobria y contenida. De igual manera Sebastián Alarcón hace gala de un gran oficio al estructurar el relato, logrando que la historia mantenga cierto grado de suspenso en torno a lo que va suceder entre el padre y sus hijos.

Con mano segura y aprovechando un muy buen trabajo de cámara, el director logra que los personajes que rodean a Coco transmitan toda la tensión que representa el hecho de tener todavía temas pendientes con el padre enfermo, las que aún no han podido solucionar.De esta forma el personaje de Coco se convierte en el eje por sobre el cual se desarrolla el relato. Las vidas de sus hijos, por más alejados que estén, están fuertemente marcadas por su figura. En este sentido, la historia muestra cómo el padre, a pesar de todos sus excesos y contradicciones, todavía está presente en la manera en que cada hijo mira al mundo. Una situación que destaca los problemas que puede acarrear una figura paterna hipertrofiada, en desmedro de la figura materna, que muchas veces se convierte sólo en un adorno.

En resumen, Padre nuestro es una interesante cinta, que da cuenta de un director que tiene oficio para filmar. Al mismo tiempo, demuestra cómo un buen guión es un soporte fundamental para realizar una película, ya que por más sencilla y cotidiana que sea la historia, un buen diálogo es capaz de dar una inusitada altura a aquello que se está contando.

El hada ignorante (Le Fate Ignoranti) Trailer

Martes 2 de septiembre
Centro Cultural Humamista
Barrio Yungay
Maipú 351
19.30 hrs
ENTRADA LIBRE

Martes 2 de septiembre: EL HADA IGNORANTE

EL HADA IGNORANTE(Le Fate Ignoranti)

Italia-Francia, 2000

Dirigida por Ferzan Ozpetek, con Margherita Buy, Stefano Accorsi, Serra Yilmaz, Gabriel Garko, Erika Blanc, Andrea Renzi, Koray Candemir, Lucrezia Valia.

El nuevo film de Ferzan Ozpetek (Hamam, el baño turco) tiene, además de un título que puede resultar tan sugerente como anodino, una historia que promete mucho: una muerte trágica, una infidelidad descubierta póstumamente y un triángulo amoroso hetero-gay. El problema es que Ozpetek (quien también es uno de los guionistas del film) no cumple con todo lo que promete y, entonces, lo que podría haber sido una hermosa película se convierte, simplemente, en una cinta interesante pero también dispareja.

El hada ignorante (¿quién es el hada, en realidad? That is the question) narra la historia de Antonia (Margherita Buy), una mujer de cuarentaitantos años que pierde repentinamente a Massimo (Andrea Renzi), su esposo, en un accidente de tránsito (olvidemos esa escena, por favor). Poco después, Antonia descubre entre las pertenencias de su difunto marido un cuadro con una dedicatoria amorosa. El hallazgo hace que toda esperanza de recuperar la placidez en la que transcurrían los días de Antonia antes de la muerte de Massimo se desvanezca para siempre. Obsesionada por encontrar a la mujer que fuera amante de su esposo durante siete años, Antonia maneja hasta la otra punta de Roma y, en lugar de lo que esperaba… encuentra a Michele (Stefano Accorsi). A partir de ese momento, nos involucraremos en el relato a partir de la necesidad de comprender quién era realmente Massimo, de la búsqueda de sí que Antonia inicia (“Nunca tuviste demasiada curiosidad por la vida, te casaste con tu compañero de banco”, es el derechazo que le pega en cierto round su madre) y de la relación que surge entre ella y Michele. Y nos involucraremos tanto, o casi, como los personajes mismos.

Uno de los principales logros de El hada ignorante es la reconstrucción que el director hace de los dos mundos por los que transita la historia: por un lado, la casa bien que compartían Antonia y Massimo y, por el otro, la familia que Massimo y Michele integraban: un grupo de seres que se habían elegido afectivamente y para quienes los prejuicios de edad, orientación sexual, clase social u origen parecían no existir. La música, los colores y los escenarios integran un universo simple, creíble, en el que los personajes se mueven naturalmente. Por eso es una lástima que, en un ambiente tan logrado como el de Michele, Ozpetek esquive algunos de los prejuicios más obvios… pero termine cayendo en otros: los gays que rodean a Michele (e incluso él mismo) tienen una vida más allá de la elección sexual, sí, pero parecen todos modelos de Prada. Ese es el pecado capital del film: por momentos, todo se torna superficial (o naïf) y el dolor y la confusión de los personajes en medio de situaciones tan conflictivas apenas si aparecen reflejados en la pantalla.

El director, no obstante, también logra escenas conmovedoras y de gran sinceridad. En eso tienen tanto mérito el guión y el significado simbólico que adquieren en él ciertos objetos (el vaso y el libro, pero también la mesa compartida), como la calidad que entregan Buy y Accorsi (El ultimo beso) para interpretar los roles principales (ella mejor que él, en mi opinión). Los ojos enormes de Margherita Buy acusan, una y otra vez, la conmoción que invade a Antonia ante cada nuevo descubrimiento de Máximo, del mundo, y de sí misma. Y, de a ratos, el espectador tiene esa misma suerte.

Martes 26 de agosto: La novia siria

El martes 26 de agosto exhibiremos LA NOVIA SIRIA coproducción de Israel, Francia y Alemania dirigida por el israelí Eran Riklis con la actuación de Clara Khoury, Hiam Abbass y Makram Khoury.

Comentario

""Cada cineasta alimenta la esperanza de que su filme aportará un poco más de comprensión, un poco más de compasión, un poco más de tolerancia o, en lo que concierne al Medio Oriente, un poco más de paciencia. Es con ese espíritu que hice La novia siria, inspirándome en el amor. (...) El amor de las mujeres que luchan por preservar su lugar en el mundo, el amor de aquéllos que continúan soñando y esperando, aquí, del otro lado de la frontera, en todas partes." (Eran Riklis, director de La novia siria).

Con títulos como La boda de mi mejor amigo, Novia Fugitiva, Cuatro bodas y un funeral, El casamiento de Muriel, La boda y Mi gran casamiento griego, entre otros, las películas sobre bodas y casamientos configuran de por sí todo un género. La novia siria (2004), el film del israelí Eran Riklis, llega para agregarse al pelotón, aunque se diferencia del resto y se acerca más a filmes como Domicilio privado (Private) por su mirada al conflicto en Medio Oriente.
Aquí el personaje de la novia no es el más importante ya que el director arma un retrato coral tomando a su familia como eje.

La acción ocurre en los Altos del Golan, una de las zonas más conflictivas del planeta, ocupada por el ejército israelí desde 1967. Los sirios que quedaron, llamados ahora Drusos, ya no tienen nacionalidad (de hecho en el pasaporte israelí que poseen, al no ser judíos, aparecen con "nacionalidad indefinida") Allí Mona vive el día de su casamiento con pesar y dolor: por una imposición familiar debe desposarse con una estrella siria de la televisión a quién no conoce, traspasar la frontera hacia Siria y no volver a ver más a los suyos.

Por características propias de su cultura, cada miembro de la familia sobrelleva una carga que lo condiciona o limita, en lo personal y en lo afectivo. Mona es un casi un objeto (son reiterados los momentos en que los que la rodean la dejan sola) que no posee decisión propia casi hasta el final de la película. De sus hermanos, Amal es una figura que sobresale por el resto. Casada sin haberlo elegido, se encuentra en un momento de crisis en su vida, no quiere a su marido y espera una beca que le permita ir a estudiar a una universidad en Israel y escapar así de su encierro. Hattem, en cambio, vuelve a Drusia luego de ocho años de ausencia (destierro en realidad, ya que para quien vive en el Golam casarse con alguien de otra religión equivale a una traición), con su mujer rusa y un hijo pequeño. Marwam es un típico "hombre de mundo" que se dedica a coleccionar mujeres en diferentes lugares y vender desde automóviles a perfumes importados. Hammed, el padre de todos ellos, es un activista pro-sirio con libertad condicional, con una expresa prohibición de concurrir al casamiento de su hija en la frontera.

La película, por momentos discursiva, gana en intensidad cuando recurre a los silencios, las miradas y los pequeños gestos de sus personajes. Y nos acerca a una cultura con otras costumbres y comportamientos. No estamos frente a una típica "for-export movie", pintoresca y colorida. Estamos ante un film que entrega humor y sensibilidad en el contexto de una lucha político-religiosa milenaria, demostrando que en actos concretos de la vida cotidiana aparecen las situaciones más absurdas y disparatadas (ver la secuencia en la frontera, con la pobre chica de Naciones Unidas utilizada como correo político - familiar), que hay pueblos sometidos por razones que ya ni sus habitantes recuerdan o conocen y que la burocracia y las reglas sociales pueden servir para ordenar a una sociedad, pero que también la limitan y la asfixian.

Desayuno en Plutón Trailer

Martes 19 de agosto
Centro Cultural Humanista
Barrio Yungay
Maipú 351
ENTRADA LIBRE

Martes 19 de agosto: DESAYUNO EN PLUTON

DESAYUNO EN PLUTÓN(Breakfast on Pluto)

Dirección: Neil Jordan.

Países: Irlanda y Reino Unido.

Año: 2005.

Duración: 135 min.

Género: Comedia dramática.

Interpretación: Cillian Murphy (Patrick "Kitten" Braden), Liam Neeson (Padre Bernard), Ruth Negga (Charlie), Laurence Kinlan (Irwin), Stephen Rea (Bertie), Brendan Gleeson (Tío Bulgaria), Connor McEvoy (Patrick, niño), Gavin Friday (Billy Hatchet), Ian Hart (P.C. Wallis), Eva Birthistle (Eily Bergin), Ruth McCabe (Ma Braden).

Guión: Neil Jordan y Patrick McCabe; basado en la novela "Breakfast on Pluto" de Patrick McCabe.

Producción: Alan Moloney, Neil Jordan y Stephen Woolley.

Fotografía: Declan Quinn.

Montaje: Tony Lawson.

Diseño de producción: Tom Conroy.

Vestuario: Eimer Ni Mhaoldomhnaigh.

SINOPSIS

Londres, mediados de los 70. Una joven y moderna belleza pasea por una calle empujando un carrito. Los albañiles en los andamios le silban, pero ella responde rápidamente con un comentario mordaz; su historia, la historia de Patrick "Kitten" Braden (Cillian Murphy), es demasiado fuerte para su gusto.

Tyreelin, Irlanda, 1958. Un pueblo irlandés de postal. Sólo los madrugadores pájaros son testigos de cómo una rubia y delgada mujer deposita un bebé en la puerta de una parroquia y se aleja rápidamente. ¿Parece el sacerdote que abre la puerta sorprendido, angustiado, culpable? El padre Bernard (Liam Neeson), como los chismorreantes pajarillos pueden atestiguar, no ha sido el mismo desde que la rubia sirvienta se fue. El huérfano es rápidamente enviado a Ma Braden (Ruth McCabe), que será su madrastra. Ma es dueña de un pub y 9 ó 10 años después se horroriza al encontrar al joven Patrick con un vestido de su hermanastra y poniéndose pintalabios. Con la revelación de que no es su madre viene la pregunta, "¿quién es mi verdadera madre?". El padre de un amigo le revela a Patrick tres importantes cuestiones: su madre es Eily Bergin (Eva Birthistle), la chica más guapa del pueblo, que se parecía a la famosa actriz Mitzi Gaynor y que una vez la vio en Londres.

Años después las piezas comienzan a encajar cuando Patrick, adolescente metido en el glam-rock y el maquillaje, abre con ayuda del vapor una carta de Ma con un cheque del Padre Bernard.

MATCH POINT TRAILER (en español)

Martes 29 de julio
19.30 hrs.
Centro Cultural Humanista
Barrio Yungay
Maipú 351
Entrada liberada

MATCH POINT

Dirección y guión: Woody Allen.

País: Reino Unido.

Año: 2005.

Duración: 123 min.

Género: Drama.

Interpretación: Jonathan Rhys Meyers (Chris Wilton), Matthew Goode (Tom Hewett), Emily Mortimer (Chloe Hewett Wilton), Scarlett Johansson (Nola Rice), Brian Cox (Alec Hewett), Penelope Wilton (Eleanor Hewett), James Nesbitt (Detective Banner), Alexander Armstrong (Sr. Townsend), John Fortune (John), Ewen Bremner (Inspector Dowd).

Producción: Letty Aronson, Gareth Wiley y Lucy Darwin.

Fotografía: Remi Adefarasin.

Montaje: Alisa Lepselter.

Diseño de producción: Jim Clay.

Vestuario: Jill Taylor.

SINOPSIS

"Match point" narra la dramática historia del ascenso en sociedad de un joven y de las terribles

consecuencias de su ambición. El protagonista se debate entre dos mujeres y al no hallas una

salida opta por una solución desesperada. La película cuenta con un reparto inglés prácticamente en su totalidad y está ambientada en la sociedad de las clases altas inglesas. Scarlett Johansson interpreta a una hermosa muchacha norteamericana que se interpone entre Chris (Jonathan Rhys Meyers) y su mujer Chloe (Emily Mortimer). Tom (Matthew Goode) es el rico hermano de Chloe y el involuntario iniciador de los trágicos acontecimientos.

UN COMENTARIO:

'Match Point', la mejor película de Woody Allen en 20 años
Alberto Abuín

Dostoyievski dijo una vez: ‘La belleza salvará el mundo’. Estoy de acuerdo, pero antes hay que encontrarla. Woody Allen nos ahorra parte del trabajo ofreciéndonos una de las mejores películas de su carrera, una auténtica obra maestra que es una maravillosa lección de cine, e incluso la vida. Reconozco que no soy tan fan de Allen como puedo serlo de otros directores como Eastwood, Ford o Wilder por citar sólo tres ejemplos. Estaría en un siguiente escalón. Es un gran director que todos los años nos regala una muestra de su arte.No suelo faltar a esa cita anual, y muchas veces me ha hecho pasármelo en grande, y pocas lo contrario. Su última obra maestra, para mí, data de 1985, ‘La Rosa Púrpura del Cairo’, uno de los más grandes homenajes que se le hayan hecho al séptimo arte. Creo que posteriormente nunca volvió a alcanzar tan altas cotas en su cine. Hasta que hizo ‘Match Point’
Todavía me siento más que impresionado, y es que no encuentro adjetivos para definir y elogiar un film perfecto de principio a fin en absolutamente todos sus aspectos, tanto técnicos como artísticos. Y aprovecho aquí para decir que menudo sprint final de año estamos teniendo, porque no es la única gran película de la temporada, y aún queda algún plato fuerte, asi que crucemos los dedos para terminar 2005 en medio de buen cine.
‘Match Point’ cuenta la historia de una ex-promesa del tenis que se va a Londres a dar clases, allí conocerá a una rica mujer con la que se casará, aunque se enamorará de otra. Eso es lo que se sabe antes de verla, y conviene no decir más, porque es una historia absolutamente imprevisible, con una media hora final sorprendente tanto por lo que cuenta como por su enorme fuerza emotiva que te atrapa y no te suelta.
Y en esa parte además el director se permite el lujo de homenajear clarísimamente, y de forma prodigiosa a su admirado Bergman y a Hitchcock. Aunque el homenaje más redondo es el dedicado a Jack Clayton y su impresionante ‘Un Lugar en laCumbre’, película que cuando la vi hace años me produjo un enorme shock, y rezo para que algún día se edite en dvd.
Por primera vez Allen deja su amado Nueva York, y rueda enteramente en Londres, y lo que son las cosas, ha tenido que ser un americano el que retrate la capital británica como se merece, y es que el director neoyorkino es único para retratar una ciudad y hacernos respirar la esencia de la misma.
Y los actores, como es habitual en su cine, ofreciendo un trabajo de primera clase. Todos están extraordinarios, pero merecen especial mención Jonathan Rhys-Meyers, que carga con todo el peso de la película y aguanta el tipo estupendamente; atención a sus miradas cuando está pensativo, y a sus expresiones cuando toma alguna decisión; su interpretación es de las que no se olvidan. Y como no, Scarlett Johansson, que está destinada a ser una de las grandes actrices del cine americano, con ese aire clásico que pocas actrices tienen. Su primera aparicion en escena es de las que hacen abrir los ojos de par en par; a partir de ahí el espectador se enamora literalmente de ella y su personaje, que sabe a poco; uno no quiere que termine la película para disfrutar más de su presencia; a medio camino entre la frialdad y la fragilidad, de mujer fatal a pobre chica perdida. ¡Dios! ¡qué buena es…y está!
Por otra parte Allen sorprende inesperadamente con su puesta en escena, incluso rueda un par de secuencias de sexo un poco subidas de tono, algo inhabitual en él. Y luego con sutiles y elegantes movimientos de cámara, no mostrando más de lo necesario, y dotando al film de un ritmo impecable, a pesar de sus más de dos horas de duración, en las cuales el interés nunca decae, gracias a un guión absolutamente preciso, sin fisuras, en el que no falta ni sobra nada. ¡Y menuda historia! Yo no pude apartar los ojos ni un instante, emocionado por lo que estaba viendo, y verdaderamente inquieto por una parte fnal desgarradora y brutal, en la que suceden fuertes acontecimientos sobre los que Allen no moraliza ni emite juicio alguno, dejando esa difícil labor al abrumado espectador.
Una película enorme que llega al corazón, con frases lapidarias sobre la vida, la muerte, el amor…todo. Lo repito con mayúsculas, UNA OBRA MAESTRA

2046 trailer (francés)

Drama romántico del director chino Wong Kar-Wai.
Martes 22 de julio - 19.30 hrs
Centro Cultural Barrio Yungay
Maipu 351
ENTRADA LIBERADA

Martes 22 de julio: 2046

2046


Dirección y guión: Wong Kar-Wai.

País: China.

Año: 2004.

Duración: 120 min.

Género: Drama romántico.

Interpretación: Tony Leung (Chow Mo Wan), Gong Li (Su Li Zhen), Takuya (Tak Kimura), Faye Wong (Wang Jing Wen), Zhang Ziyi (Bai Ling), Carina Lau (Lulu/Mimi), Chang Chen (CC 1966), Wang Sum (Sr. Wang/Jefe del tren), Siu Ping Lam (Ah Ping), Maggie Cheung (SLZ 1960), Dong Jie (Wang Jie Wen).

Producción: Wong Kar-Wai.

Música: Peer Raben y Shigeru Umebayashi.

Fotografía: Christopher Doyle, Lai Yiu Fai y Kwan Pun Leung.

Montaje: William Chang Suk-Ping.

Diseño de producción: William Chang Suk-Ping.

Dirección artística: Alfred Yau Wai Ming.

Vestuario: William Chang Suk-Ping.

SINOPSIS

Era escritor y pensaba que escribía sobre el futuro, pero realmente escribía sobre el pasado. En

su novela, un misterioso tren salía de vez en cuando hacia el año 2046. Todos los que iban en él tenían la misma intención: recuperar su memoria perdida. Se decía que en el 2046 nada cambiaría. Nadie sabía a ciencia cierta si era verdad, porque ninguno de los que fueron volvió jamás. Excepto uno. Estuvo allí. Eligió marcharse. Quería cambiar.

CRÍTICAS

Un sublime revulsivo para el espíritu, extraordinario en su belleza, elegante en sus maneras y agitador por su exótica proximidad. En “2046”, sentido y sensibilidad se abrazan para dar cobijo a una visión descarnada de nuestra naturaleza romántica, es decir, espantosamente real...

Está plasmada con tal inteligencia, elegancia y sensibilidad que el espectador no puede sino de-jarse seducir por el fascinante universo de los sentimientos que Wong Kar-Wai pinta en la pan-talla con su reconocible y sin embargo inimitable estilo. Monumental obra cinematográfica...

Wong Kar-Wai traza un retrato del amor y del hombre poco atractivo, aunque sea con un cine de calidad sublime que ganó el premio de la crítica en el festival de Cannes y que en la 49ª Seminci obtuvo el premio a la mejor fotografía y el premio de la prensa internacional...

OPINIÓN DEL PÚBLICO

Si con “In the mood for love (Deseando amar)” me quedé enganchada a la sutileza, con “2046” me he visto abofeteada por la reacción del ser humano ante el dolor de la realidad. Nadie debería perderse ninguna de las dos. Dos joyas muy valiosas del cine chino, verdaderas obras de arte...

Martes 15 de Julio: El Orfanato . trailer

Thriller sobrenatural español del director Juan Antonio Bayona con la actuación de Belén Rueda y Geraldine Chaplin.

Martes 15 de julio 19.30 hrs.
Centro Cultural Humanista Barrio Yungay
Maipú 351
ENTRADA LIBERADA

MARTES 15 de JULIO : EL ORFANATO

EL ORFANATO

Dirección: Juan Antonio Bayona.

País: España.

Año: 2007.

Duración: 100 min.

Género: Thriller sobrenatural.

Interpretación: Belén Rueda (Laura), Geraldine Chaplin (Aurora), Fernando Cayo (Carlos), Roger Príncep (Simón), Mabel Rivera (Pilar), Montserrat Carulla (Benigna), Andrés Gertrudix (Enrique), Edgar Vivar (Balabán).

Guión: Sergio G. Sánchez.

Producción: Joaquín Padró, Mar Targarona y Álvaro Augustín.

Producción ejecutiva: Guillermo del Toro.

Música: Fernando Velázquez.

Fotografía: Óscar Faura.

Montaje: Elena Ruiz.

Dirección artística: Josep Rosell.

Vestuario: María Reyes.

SINOPSIS
Laura (Belén Rueda) regresa con su familia al orfanato donde creció, con la intención de abrir una residencia para niños discapacitados. Allí, el pequeño Simón (Roger Príncep), hijo de Laura, comienza a dejarse llevar por unos extraños juegos que generan en su madre gran inquietud, ya que dejarán de ser una mera diversión para convertirse en una amenaza. Una serie de inesperados acontecimientos obligarán a Laura a bucear en el dramático pasado de la casa que de niña fue su hogar.

Martes 8 de Julio: La Boda del Monzón - Trailer

MARTES 8 DE JULIO: LA BODA DEL MONZON

LA BODA DEL MONZÓN(Monsoon wedding)

Dirección: Mira Nair.

País: India.Año: 2001.

Duración: 119 min.

Interpretación: Naseeruddin Shah (Lalit Verma), Lillete Dubey (Pimmi Verma), Shefali Shetty (Ria Verma), Vijay Raaz (P.K. Dubey), Tilotama Shome (Alice), Vasundhara Das (Aditi Verma), Parvin Dabas (Hemant Rai), Kulbhuskan Kharbanda (C.L. Chadha), Kamini Khanna (Shashi Chadha), Rajat Kapoor (Tej Puri).

Guión: Sabrina Dhawan.

Producción: Mira Nair y Caroline Baron.

Música: Mychael Danna.

Fotografía: Declan Quinn.

Montaje: Allyson C. Johnson.

Diseño de producción: Stephanie Carroll.

Dirección artística: Sunil Chabra.

Vestuario: Arjun Bhasin.

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CRÍTICA por Tònia PallejàCanalcine.net, Barcelona

"La boda del Monzón" es un trabajo vital, enérgico y lleno de buen humor que desprende su propio perfume y te contagia con su espíritu festivo. Visionar este film es entrar en una orgía de colores, luces, sonidos y sensualidad. Además, representa un vivaz y prolijo álbum de fotos de la India actual, de su complejo tejido social, de sus ricas costumbres, de su realidad más cotidiana. La película recoge esa convivencia-confrontación entre tradición y modernidad, ese extraño mestizaje que lleva a sus habitantes a mezclar el hindi con el inglés, a la vez que se hace eco de las diferencias de estatus económicos, posiciones sociales y colectivos. Es, también, un homenaje de su autora, la realizadora india Mira Nair ("Salaam Bombay") a su ciudad, Delhi, a su familia y a la comunidad de Punjab, caracterizada por sus ganas de vivir.

Con la excusa de la celebración de una boda concertada en el seno de una familia de clase media-alta, "La boda del Monzón" retrata, en un tono de comedia que no deja escapar tampoco la oportunidad para adentrarse por vericuetos más dramáticos, este brillante fresco de la sociedad india. Su guión, detallista y repleto de encanto, presenta varias historias relacionadas que tienen lugar durante estos días de festejo, y que exploran diferentes tipos y facetas del amor. Relaciones que trascienden sus límites geográficos y que podemos reconocer fácilmente. No pretenden ser éstas subtramas originales ni sorprendentes, al contrario, parten de lo humano, del día a día, para cobrar relevancia ante el hecho excepcional que es un enlace matrimonial al que asisten numerosos invitados.

Nos encontramos con la pareja protagonista (más central por el evento nupcial que por su peso en el conjunto argumental): la joven Aditi, que acepta desposarse con Hemant, un indio residente en Houston al que apenas conoce, cuando ve que su relación con un presentador de la televisión que está casado no tiene futuro. Ambos son atractivos, agradables y sensibles, ¿pero surgirá entre ellos el amor? Lalit y Pimmi son los padres de la novia; él, a pesar de tener un nivel acomodado, debe hacer grandes esfuerzos económicos para casar a su única hija por todo lo alto, mientras su esposa, que fuma a escondidas, relaja su estrés yendo de compras. Ria, la prima soltera de Aditi, que quiere labrarse una carrera como escritora y que oculta un trágico secreto del pasado; Ria será quien reproche a Aditi que no se case por amor. Ayesha y Rahul, dos jóvenes que se conocerán y se enamorarán durante estas fechas. Y así un largo etcétera. Pero tal vez quienes se ganen mayores simpatías sean P.K. Dubey, el caradura encargado de la empresa contratada para organizar la boda, y Alice, la tímida criada de la casa. También entre ellos nacerá el amor.

"La boda del Monzón" es una película bien edificada y resuelta en cada paso que da. Mira Nair salva las dificultades derivadas de manejar esta amplia y variada cantidad de personajes y situaciones con muy buena nota. Su pericia en el dibujo de las psicologías humanas, en la traslación de sus sentimientos, y en la transición de un foco de acción a otro es incuestionable, y el film discurre con armonía y fuerza, como un mecanismo bien lubricado. Nair mantiene el ritmo con pulso veterano y consigue un resultado potente de gran atractivo visual.

La directora no olvida su pasado documental, y al margen de los acontecimientos que tienen lugar en la residencia de los padres de la novia, introduce ciertos retazos de la caótica vida urbana de Delhi, con sus ineludibles miserias. La película también está condimentada con algunos toques, muy bien insertados, de los populares musicales autóctonos surgidos del llamado Bollywood.

No faltará quien recrimine a Nair que nos esté ofreciendo una visión dulce y complaciente en exceso de la realidad india, porque fuera del registro humorístico que posee "La boda del Monzón", esta cineasta tiende hacia la resolución positiva, optimista, de los conflictos. La película no deja de ser una proclama de lo bella que es la vida, del poder de salvación y liberación que se encuentra en el amor (ya sea romántico, paternal o fraternal) y la familia. Sin embargo, no creo que este tinte amable y cordial deba empañar el mérito de este film magníficamente orquestado, punteado y conjugado.

Lejos de las inevitables dosis de exotismo que nos pueda proporcionar, "La boda del Monzón" apuesta por lo universal. Manteniendo las distancias, que no son cortas ni salvables, el planteamiento "antropológico" de esta cinta puede hacernos pensar en el Robert Altman de "Nashville", "Shortcuts" o "Gosford Park", pero, como decía, las diferencias entre el cine de Altman y Nair no son menos evidentes.

Definitivamente, una película de notable valor como documento y producto de ficción que también asegura un grato entretenimiento. Probablemente, el León de Oro conseguido en Vene-cia y otros tantos reconocimientos internacionales le permitan no pasar tan desapercibida en las carteleras como habría sido lo habitual –y lamentablemente injusto–.

C.R.A.Z.Y. trailer (Español)

MARTES 1 DE JULIO 19.30 HRS.

Martes 1 de julio: C.R.A.Z.Y

C.R.A.Z.Y.
Año 2005
Nacionalidad Canadá
Género Drama
Duración 127 m
.
Dirección
Jean-Marc Vallée

Intérpretes
Michel Côté (Gervais Beaulieu)
Marc-André Grondin (Zachary Beaulieu, 15 a 21 años)
Danielle Proulx (Laurianne Beaulieu)
Émile Vallée (Zachary, 6 a 8 años)
Pierre-Luc Brillant (Raymond Beaulieu, 22 a 28 años)

Guión François Boulay Jean-Marc Vallée
Fotografía Pierre Mignot
Música David Bowie
Montaje Paul Jutras

Sinopsis

25 de diciembre de 1960: Nace Zachary Beaulieu, cuarto de cinco hermanos. Vive en el seno de una familia muy tranquila de los extrarradios, con una madre afectuosa y un padre un poco huraño, pero orgulloso de sus chicos. Es el principio de una bonita infancia en la que se suceden las navidades y los cumpleaños con el eterno solo del padre cantando Emmène-moi au bout de la terre (Llévame al fin del mundo), de Aznavour, las sesiones de lavado del coche al aire libre y las visitas a un merendero con Zac, el favorito de su padre. De 1960 a 1980, rodeado de sus hermanos, de Pink Floyd y los Rolling Stones, entre las vueltas en moto para impresionar a las chicas, los porros fumados a escondidas, las grandes y pequeñas discusiones y, sobre todo, un padre al que intenta volver a encontrar con desesperación, Zac nos cuenta su historia.

Referencias
Dirige Jean-Marc Vallée (Montreal, 1963), quien cursó estudios de cine en Montreal. Su primer cortometraje, Stéréotypes (1992), y los siguientes Les Fleurs magiques (1995) y Les Mots magiques (1998) fueron premiados en numerosos festivales. Su filmografía se completa con Liste noire (1995), el telefilme Strangers (1997), Renegados 2 (Los locos) (1997), y la producción para televisión The secret adventures of Jules Verne (1998). Además, ha dirigido numerosos spots publicitarios.
Está protagonizada por Michel Côté uno de los actores más respetado de Quebec.
El guión es se inspira libremente en la vida de François Boulay, el coguionista, y de los recuerdos que tiene de su padre y de sus cuatro hermanos. Durante la escritura del guión, el director quiso alejarse un poco de sus experiencias personales. Los elementos referentes a la identidad sexual se acercan más a Boulay, mientras que los conflictos internos religiosos y las experiencias de una familia de clase media son más representativos de la juventud del director. Hicieron falta cinco años para escribir el guión y diez años para hacer la película.
El director de fotografía es Pierre Mignot (El sexto día) y la banda sonora está compuesta por David Bowie.
Fue candidata a los Premios del Cine Europeo 2005 a la mejor película no europea.
Se llevó el premio al mejor director y guión en el Festival de Cine de Gijón.
Consiguió los 10 Premios Genie del cine canadiense al mejor director, película, diseño de producción, diseño de vestuario, montaje, sonido, montaje de sonido, guión original, actor (Michel Côté) y actriz (Danielle Proulx).
Fue la propuesta canadiense al Oscar a la mejor película extranjera y a los Globos de Oro.

Martes 24 de Junio: GOSFORD PARK

GOSFORD PARK

Dirección: Robert Altman.

Países: USA, Reino Unido, Alemania, Italia.

Año: 2001.

Duración: 137 min

.Interpretación: Eileen Atkins (Mrs. Croft), Bob Balaban (Morris Weissman), Alan Bates (Jennings), Charles Dance (Raymond, Lord Stockbridge), Stephen Fry (Inspector Thompson), Michael Gambon (Sir William McCordle), Kristin Scott Thomas (Lady Sylvia McCordle), Camilla Rutherford (Isobel McCordle), Maggie Smith (Constance, Condesa de Trentham), Geraldine Somerville (Louise, Lady Stockbridge), Tom Hollander (Teniente Comandante Anthony Meredith), Natasha Wightman (Lady Lavinia Meredith), James Wilby (Freddie Nesbitt), Claudie Blakley (Mabel Nesbitt), Laurence Fox (Lord Rupert Standish), Trent Ford (Jeremy Blond), Jeremy Northam (Ivor Novello), Helen Mirren (Mrs. Wilson), Derek Jacobi (Probert), Emily Watson (Elsie), Richard E. Grant (George), Ryan Phillippe (Hnery Denton).

Guión: Julian Fellowes; basado en una idea de Robert Altman y Bob Balaban.

Producción: Robert Altman, Bob Balaban y David Levy.

Música: Patrick Doyle.

Fotografía: Andrew Dunn.

Montaje: Tim Squyres.

Diseño de producción: Stephen Altman.

Dirección artística: Sarah Hauldren.

Vestuario: Jenny Beavan.

Decorados: Anna Pinnock.

SINOPSIS

Estamos en noviembre de 1932. Godsford Park es la magnífica mansión campestre en la que Sir William McCordle y su esposa, Lady Sylvia, reúnen a familiares y amigos para una partida de caza. Han invitado a un grupo variopinto, entre los que se cuentan una condesa, un héroe de la Primera Guerra Mundial, el ídolo de masas Ivor Novello, y un productor de cine norteamericano que realiza las películas de Charlie Chan. Mientras los invitados se congregan en las doradas estancias de arriba, sus sirvientes y ayudas de cámara personales se incorporan a las filas de la servidumbre de la gran casa, a lo largo de las incontables cocinas y pasillos de abajo. Sin embargo, no todo es lo que aparenta ser; ni entre los enjoyados huéspedes que almuerzan y cenan a sus anchas, ni en las habitaciones del ático y lugares de trabajo donde los criados procuran por el bienestar de sus amos. En parte comedia de costumbres, en parte film con misterio, la cinta resulta en definitiva una emocionante exposición de hechos que tienden un puente entre generaciones, clases sociales, sexos, y trágicas historias personales, para culminar en un asesinato (¿o son dos?).

Gosford Park Trailer

MARTES 24 de JUNIO 19.30 hrs.

8 femmes - trailer

martes 17 de junio: 8 MUJERES

8 MUJERES(8 femmes)

Dirección: François Ozon.

País: Francia.

Año: 2002.

Duración: 103 min.

Interpretación: Catherine Deneuve (Gaby), Isabelle Huppert (Augustine), Emmanuelle Béart (Louise), Fanny Ardant (Pierrette), Virginie Ledoyen (Suzon), Danielle Darrieux (Mamy), Firmine Richard (Madame Chanel), Ludivine Sagnier (Catherine), Dominique Lamure (Marcel)Guión: François Ozon y Marina de Van; basado en la obra de Robert Thomas.

Producción: Olivier Delbosc y Marc Missonnier.

Música: Krishna Levy.

Fotografía: Jeanne Lapoirie.

Montaje: Laurence Bawedin.

Diseño de producción: Arnaud de Moléron.

Vestuario: Pascaline Chavanne.

SINOPSIS

En los años cincuenta, en una gran mansión burguesa en pleno campo se están haciendo los preparativos para festejar la Navidad, cuando se produce un drama: el dueño de la casa es asesinado. Ocho mujeres cercanas a la víctima están presentes, y forzosamente una de ellas es la culpable. Comienza entonces una larga jornada de investigación, jalonada de discusiones, traiciones y revelaciones, en la que no tardará en saberse que cada una de ellas tiene sus razones y guarda secretos insospechados. La verdad estallará, cruel y trágica, y acabará con las máscaras y las mentiras

El nuevo niño terrible del cine francés, François Ozon, evade hábilmente todo intento de clasificación o encasillamiento. Si en Gotas que caen sobre las rocas calientes manifestaba inspirarse en Fassbinder y en Bajo la arena incursionaba en el thriller psicológico melodramático, en 8 Mujeres es evidente que decidió divertirse en grupo y divertir a los demás, alejado de todo convencionalismo. En esta última película, basada en una pieza teatral, Ozon parodia los géneros clásicos: por un lado el policial de intriga, con la aparición del cadáver de un hombre rico asesinado en un ámbito cerrado, una casa aislada en la nieve que encierra ocho posibles culpables... todas mujeres. Y no cualesquiera, sino interpretadas por lo más consagrado de las estrellas francesas, en un elenco impresionante: Catherine Deneuve, Isabelle Huppert, Fanny Ardant, Emmanuelle Beart, la veterana Danielle Darrieux, la negra Firmine Richard y las jóvenes Virginie Ledoyen y Ludivine Sagnier. En un disfrutable duelo actoral lleno de mordacidad y humor, esas mujeres discutirán ácidamente en sucesivos interrogatorios y confesiones hasta descubrir la verdad. Verdad que demuestra que la realidad siempre puede ser peor aun.
Por otro lado, el melodrama: Ozon ha abrevado en los maestros del género. Aprendió de Douglas Sirk y Fassbinder cómo contar las tramas que urden los personajes y, en este caso, los distintos vínculos femeninos: las hermanas, la madre, las hijas, las cuñadas, las amantes, las patronas, las mucamas muestran las distintas formas que toma el amor femenino en un mundo en el que el hombre ha muerto, o está ausente. ¿Alusión a las consecuencias del feminismo?
Ozon parodia también el musical de los ‘50: cada actriz tiene su propio número musical, una canción y coreografía concebida adecuadamente para ese personaje. El número musical es el instante de la confesión, a manera de monólogo teatral en el que cada mujer expresa su interioridad, sus más hondas motivaciones. Ozon exhibe una puesta en escena cuidadísima para esta obra eminentemente teatral: con vestuario y estética de los años ‘50, cada personaje está cuidadosamente presentado en un kitsch sofisticado: a cada una de las mujeres corresponde determinado vestuario, color, peinado y maquillaje que la caracterizan; de la misma manera, cada una de ellas guarda un secreto, e incluso en la presentación el nombre de cada estrella está acompañado por la flor que corresponde a su personaje.
El film abunda en homenajes y citas cinematográficas, y hasta las actrices se parodian a sí mismas. Si Deneuve cumple su consabido rol de respetable señora burguesa de larga boquilla y piel de leopardo con poses hieráticas y movimientos estudiados, Ardant es la rebelde al sistema y Huppert supera toda comparación. Como la cuñada solterona, fea, pobre y por añadidura virgen, apela a todos sus recursos histriónicos para caracterizar a una desopilante neurótica verborrágica que sorprenderá a todos con una transformación impactante. Incluso su número musical de mujer que llora su soledad es una parodia de La profesora de piano.
En sus películas anteriores, Ozon ya había demostrado ser un excelente fotógrafo del cuerpo humano. Aquí también revela una esmerada, admirada composición para cada estrella: Ardant siempre está filmada con algún marco escenográfico, el interrogatorio colectivo se dirime en intensos primeros planos, incluso el beso entre dos mujeres está provocativa y sutilmente registrado.
Por todo lo dicho es obvio que Ozon ha elegido apartarse de todos los códigos naturalistas. La historia es desorbitada, las actuaciones exageradas, los personajes estereotipados, los colores saturados, el doblaje y la continuidad evidencian la artificiosidad del dispositivo. Y en todo trasunta la diversión que debe de haber experimentado el equipo completo al realizar el film.

Paris, je t'aime

PARIS, JE T'AIME

Dirección: Olivier Assayas, Frédéric Auburtin, Gérard Depardieu, Gurinder Chadha, Sylvain

Chomet, Joel Coen, Ethan Coen, Isabel Coixet, Wes Craven, Alfonso Cuarón, Christopher Doyle, Richard LaGravenese, Vincenzo Natali, Alexander Payne, Bruno Podalydès, Walter Salles, Daniela Thomas, Oliver Schmitz, Nobuhiro Suwa, Tom Tykwer y Gus van Sant.

Países: Francia y Alemania.

Año: 2006.Duración: 120 min.

Género: Drama romántico.

Interpretación: Catalina Sandino Moreno, Sergio Castellitto, Miranda Richardson, Leonor Watling, Juliette Binoche, Willem Dafoe, Nick Nolte, Maggie Gyllenhaal, Fanny Ardant, Wes Craven, Elijah Wood, Alexander Payne, Natalie Portman, Gérard Depardieu, Bob Hoskins, Ben Gazzara, Steve Buscemi.Guión: Emmanuel Benbihy, Bruno Podalydès, Paul Mayeda Berges, Gurinder Chandha, Gus van Sant, Ethan Coen, Joel Coen, Walter Salles, Daniella Thomas, Christopher Doyle, Gabrielle Keng, Kathy Li, Isabel Coixet, Nobuhiro Suwa, Sylvain Chomet, Alfonso Cuarón, Olivier Assayas, Olivier Schmitz, Richard LaGravenese, Vincenzo Natali, Wes Craven, Tom Tykwer, Gena Rowlands y Alexander Payne; basado en una idea original de Tristan Carné.Producción: Claudie Ossard y Emmanuel Benbihy.Música: Pierre Adenot, Christophe Monthieux, Leslie Feist, Reinhold Heil, Johnny Klimek, Marie Sabbah y Tom Tykwer.Fotografía: Bruno Delbonnel, Pascal Marti, Eric Gautier, Pascal Rabaud, David Quesemand, Pierre Aïm, Eric Guichard, Tetsuo Nagata, Gérard Stérin, Franck Griebe, Jean-Claude Larrieu, Denis Lenoir, Michael Seresin, Matthieu Poirot-Delpech, Michel Amathieu y Maxime Alexandre.Montaje: Simon Jacquet, Anne Klotz, Hisako Suwa, Alexandre Rodriguez, Luc Barnier, Isabel Meier, Stan Collet y Mathilde Bonnefoy.Diseño de producción: Bettina von den Steinen.Vestuario: Olivier Bériot y Pierre-Yves Gayraud.

SINOPSIS

En París el amor está en todas partes. En la barra de sus bares y cafeterías, bajo la Torre Eiffel, incluso por debajo de las calles, en el metro. "Paris, je t'aime" es un París visto a través de los ojos de algunos de los más aclamados directores, cada uno de ellos nos cuenta una historia que desarrolla en uno de los diferentes distritos de París. El resultado es un abanico de historias sobre la alegría, la separación, los encuentros inesperados y extraños, y, sobre todo, acerca del amor. Veremos esta ciudad de una forma que nunca hemos imaginado y entenderemos por qué París es la ciudad más romántica del mundo.